Históricamente, existen tres cumbres relevantes en el arte del contrapunto. La primera fue la auténtica polifonía 'absoluta' del período gótico, y el elaborado y virtuosístico contrapunto de las escuelas franco-flamencas que le siguieron.

La segunda, la música de la última mitad del siglo dieciséis, ejemplificada por Palestrina; mientras que la tercera, la del barroco, está resumida en las obras de Johann Sebastian Bach.

El primero de los períodos mencionados ha dejado de ejercer una influencia activa en nuestra música, pero Palestrina y Bach se han convertido en los auténticos símbolos de la polifonía.

Una rápida observación de la obra de estos dos autores revela la existencia de dos maneras distintas de aproximación, dos actitudes o estilos contrapuntísticos diferentes. Ambos estilos son de máxima importancia en el desarrollo del arte musical, y el estudio de estos dos tipos de escritura contrapuntística es indispensable para cualquier músico y estudiante de música.

El término "Lenguaje" hace referencia a la comunicación, es decir, a la capacidad de hablar, leer y escribir con comprensión.

El adjetivo "Musical" delimita el concepto de lenguaje a unos signos determinados, que tienen como soporte el sonido y sus cualidades, y que se estructuran en unidades mayores.

El Lenguaje Musical lo definimos (dentro del sistema tonal que es el más utilizado aunque no el único) como la capacidad de comunicación a través de una sucesión de acordes estructurados armónica, rítmica, melódica y formalmente

Uno de los mayores desafíos a los que se han enfrentado muchos de los compositores de la pasada centuria ha sido la aceptación – no exenta de rivalidades y polémicas - de la escala cromática de doce notas como sustrato y herramienta musical indispensable para la comprensión del rico desarrollo del contrapunto actual en sus diferentes modalidades y escuelas .

Durante los últimos cuatrocientos años de la Historia de la Música, han existido diferentes etapas contrapuntísticas, todas ellas encaminadas hacia una mejor comprensión de la escritura horizontal y a la experimentación – asumiendo riesgos musicales muy elevados en algunos casos – con las diferentes líneas de voz que coexisten e interrelacionan dentro del tejido armónico de una determinada composición.

Contrapunto y armonía son dos caras – inseparables - de una misma moneda. Sin un armazón – o estructura musical – coherente y bien diseñado armónicamente, sería caótico acometer la tarea compositiva con rigor. Por tanto, el conocimiento y la comprensión de las relaciones que guardan entre sí un conjunto de notas que suenan simultáneamente en acordes (vertiente o lectura vertical) es esencial para comprender y disfrutar del fenómeno musical en todas sus manifestaciones.

El Jazz blues es un estilo musical que combina el jazz y el blues. Este término también se utiliza para hacer referencia a cualquier melodía que siga la progresión de acordes estándar de doce compáses de blues y cuya interpretación se acerque más al estilo del jazz que al estilo del blues tradicional.

La música blues tuvo una influencia importante en el desarrollo del jazz, siendo muy comunes las melodías de jazz blueseras en el repertorio del jazz (además de la progresión de acordes, los intérpretes de jazz tomaron prestados otros elementos estilísticos del blues como la nota de blues, la forma musical de las melodías y los riff de blues).

Un jazz blues suele presentar un tratamiento más sofisticado (e incluso distinto) de la armonía que un blues más tradicional, permaneciendo sin embargo las características de la progresión estándar de doce compáses.

Una de las principales formas mediante la cual, los músicos de jazz, consiguieron esto fue con la utilización de la sustitución de acordes: un acorde de la progresión original se reemplaza por otro, u otros, manteniendo la misma función pero añadiendo un color diferente o añadiendo un movimiento armónico distintivo dentro del movimiento armónico general.

El contrapunto (del latín punctus contra punctum, «nota contra nota») es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico.

Esta práctica surgió en el siglo XV alcanzando un alto grado de desarrollo en el Renacimiento y el periodo de la práctica común, especialmente en la música del Barroco y se ha mantenido hasta nuestros días.

En su aspecto más general el contrapunto implica la escritura de líneas musicales que suenan muy diferentes y se mueven independientemente unas de otras pero suenan armoniosas cuando se tocan simultáneamente.

En cada época, la escritura de música organizada contrapuntísticamente ha estado sujeta a reglas, en ocasiones estrictas. Por definición, los acordes se producen cuando diversas notas suenan al mismo tiempo.

Sin embargo, los rasgos armónicos verticales se consideran secundarios e incidentales, cuando el contrapunto es el elemento textural predominante. El contrapunto se centra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción.

Dither de la Motte es autor de numerosas composiciones de las más diversas direcciones estilísticas. Aparte de los géneros tradicionales tales como la ópera, música de cámara, música coral, etc, ha escrito obras en las que intervienen medios electrónicos.

Ahora presenta uno de los mejores tratados de Contrapunto traducidos al castellano, al igual que Armonía del mismo autor, hace una revisión cronológica y estilisticamente de los aspectos mas sobresalientes de composiciones y compositores de distintas y épocas y procedencias.

Método de teoria musical, que reúne todos los conceptos teóricos necesários para el aprendizaje musical y al final de cada capítulo, un cuestionário, ejercícios teóricos de solfeo relativos a cada punto abordado.

MUSICA : es el arte de combinar los sonidos y el tiempo.
El sonido y el tiempo estan representados por caracteres y señales escritos en una partitura o pentagrama, que es un conjunto de 5 lineas y cuatro espacios, al sonido pertenecen : las claves, notas, sostenidos, bemoles, becuadros, letras como ej:(p) piano, o (f)forte, y muchas mas palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que estan dentro del pentagrama, modifican el sonido.

Al tiempo pertenecen los compaces, figuras, puntillos, silencios, puntos de reposo, calderon, y como con los sonidos palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que estan dentro del pentagrama, modifican el tiempo.

Alan Belkin ha escrito y publicado en el internet 4 libros sobre Composición, Countrapunto, Armonía y Orquestación. He estado revisando el de composición y creo que puede ser muy útil para que mejorar la técnica. En particular comulgo completamente con el siguiente párrafo, extraído de la introducción:

"... A lo largo de muchos años ejerciendo como compositor y como profesor de composición musical a varios niveles, me he visto sorprendido repetidamente por la falta de información práctica sobre el modo en que se construye la música.

Existen buenos textos de armonía, contrapunto, y orquestación, pero los principios prácticos de la forma musical, especialmente desde el punto de vista del compositor, están extrañamente ausentes.

Por “principios prácticos de la forma musical” no me refiero a la clasificación de unidades estructurales –por útil que pueda ser– sino al modo en que las ideas musicales se organizan y se conectan a lo largo del tiempo, de modo que su evolución sea convincente. Incluso estudiantes con mucha experiencia en análisis a menudo tienen poca idea sobre como elaborar una transición, como construir un climax, o como crear un sentido satisfactorio de conclusión.

De forma continuada se ven comienzos que no crean interés o suspense, transiciones que divagan de una idea a la siguiente, secciones que carecen de balance, y finales que parecen alcanzarse de forma casi arbitraria. El estudiante necesita una guía específica sobre como satisfacer tales requerimientos formales básicos."

Electric Counterpoint es una obra escrita por Steve Reich, compositor estadounidense de vanguardia, estrenada por Pat Metheny en 1987. La idea, para su ejecución en vivo como se grabó este EP, es que un mismo guitarrista grabe en 12 sesiones las 10 guitarras y 2 bajos eléctricos como están en la partitura, y luego use esa grabación como pista para tocar encima otra guitarra más. ¡No hay que pensar que se trata de un contrapunto de estilo barroco a 12 voces!.

Cada guitarra toca casi las mismas notas que las otras, generando un efecto acústico casi hipnótico en la superposición. Tantas guitarras juntas generan un timbre extraño, como de un nuevo e indefinible instrumento eléctrico.

Cada nota, cada efecto, aún los fade in y fade out fueron escritos por el autor. La música puede ser escuchada con mucho interés, es muy melódica y llevadera, con cierto carácter mántrico, no es para nada hermética, y se asemeja en sus recursos a mucha música electrónica relacionada con la escuela minimalista, o el ambient.

Nadie mejor en la Argentina que Orias Diz para encarar la grabación de este material. Se trata de un guitarrista especializado en el repertorio contemporáneo, que ya grabó otras obras nuevas en sus anteriores discos. Este trabajo trae mucha información sobre la obra, sobre el compositor y sobre el intérprete, de manera interactiva.

Los tres videos que ilustran cada movimiento son un complemento ideal para la música. Cada uno es muy distinto del otro, los tres muestran a la perfección lo que la obra dice. Recomendamos hacer la experiencia de entrar a esta obra de manera mixta (visual y auditiva) en computadora, y luego escuchar, en un buen equipo a volumen más alto, la música sola, para perderse en el viaje de cada línea de guitarra.

(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.

Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
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A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

Escrito en el lenguaje del músico de jazz de trabajo, este libro es fácil de leer y fácil de usar. Al mismo tiempo, es el estudio más completo de la armonía del jazz y la teoría de que haya sido publicada.

Via de 500 páginas de texto y más de 750 ejemplos musicales, lleva al estudiante de las técnicas más básicas como la construcción de acordes y la progresión II-VI a través de la teoría de la escala, el blues, "Tengo el ritmo" cambios, recortar acordes , el bebop y escalas pentatónicas.

Cómo leer una lámina de plomo y memorizar canciones y un estudio de rearmonización que es casi un libro en sí mismo. El autor, Mark Levine, ha trabajado con Bobby Hutcherson, Cal Tjader, Joe Henderson, Woody Shaw, y muchos otros grandes del jazz.

Desde la lección 1 se aprendera a tocar las cuerdas al aire repetidas veces, para acostumbrar los dedos a pulsar y a familiarizarse con la guitarra, esta leccion servira para concientizarse con las distancias que hay entre cuerda y la sonoridad de las misma.

Desde la lección 2 al 8 se practicara la base 1ra desde el "do" de la quinta cuerda hasta el "sol" de la tercer cuerda, respetar la notas con acentuacion y no apresurarse.

Desde la lección 9 al 15 se practicara la base 2da desde el "sol" de la tercera cuerda hasta el "re" de la segunda cuerda, respetar la notas con acentuacion y no apresurarse.

En la lección 16 encontraremos reunidas las dos primeras bases, para practicarla con sumo cuidado sin apresurarse y respetando las notas que tienen acentuacion

Desde la lección 17 al 23 se practicara la base 3ta desde el "do" de la segunda cuerda hasta el "sol" de la primer cuerda, respetar la notas con acentuacion y no apresurarse.

En la lección 24 encontraremos reunidas las tres primeras bases, para practicarla con sumo cuidado sin apresurarse y respetando las notas que tienen acentuacion

Desde la lección 25 al 29 se practicara la base 4ta desde el "sol" de la sexta cuerda hasta el "re" de la cuarta cuerda, respetar la notas con acentuacion y no apresurarse.

En la lección 30 encontraremos bases 25 al 29 reunidas, para practicarla con sumo cuidado sin apresurarse y respetando las notas que tienen acentuacion

Desde la lección 31 al 35 se practicara la base 5ta desde el "mi" de la sexta cuerda al aire hasta el "si" de la quinta cuerda, respetar la notas con acentuacion y no apresurarse.

En la lección 36 encontraremos todas las bases reunidas, para practicarla con sumo cuidado sin apresurarse y respetando las notas que tienen acentuacion.

En la lección 37 se presenta una escala cromatica, que tiene como abjetivo hacer conocer el efecto de las notas con sostenido (#).

La lección 38 interviene por primera vez el pulgar de la mano derecha, con el se debe pulsar el bajo tomando al principio poca cuerda, el dedo algo de costado, en direccion a la primera y ligeramente hacia arriba, sirve tambien este estudio para aprender las notas en distintas octavas y apartir de esta leccion en adelante no se pondra el nombre de las notas ni su ubicacion.

En la lección 39 aqui se aprendera a tocar mas adelante simultaneamente el bajo y la nota aguda, acentuando esta ultima, por ello debe tenerse muy buen cuidado al practicarla preparando los dedo de la mano derecha antes de hacer cada movimiento y tomando poca cuerda con el dedo pulgar, para que pueda zafar mas facilmente y acentuar bien la nota aguda.

En la lección 40 interviene por primera vez los tres dedos de la mano derecha en un orden fijo de pulgar, indice y mayor. La mano izquierda prepara integra la posicion  de cada compas, la que no se movera hasta el compas siguiente.

En la lección 41 aqui los dedos indice y mayor de la mano derecha se pulsan simultaneamente, haciendo un movimiento hacia la palma de la mano.

En la lección 42 tener cuidado con el "do#" del quinto compas, y tambien sumo cuidado con las notas acentuadas las cuales debe destacarse del resto.

En la lección 43 interviene por primera vez el dedo anular de la mano derecha, conjuntamente con el pulgar, indice y medio, respetar la digitacion marcado en el estudio.

La lección 44 es un arpegio donde por primera vez se presenta el caso de pocision fija de la mano izquierda y tambien como novedad, el caso de que con la mano derecha, se acentuan unicamente las notas que pulsa el dedo anular que son todas las notas que se tocan en la primer cuerda.

En la lección 45 aparece por primera vez el acorde, es recomendable que se toque al principio debilmente, tomando poca cuerda con la punta de los dedos y haciendo el movimiento hacia la palma de la mano.

En la lección 46 aqui se presenta otro arpegio en forma de tresillo, tener en cuenta la acentuacion y las notas destacadas y las notas graves en ningun momento son apoyadas.

En la lección 47 otro estudio de acordes preparar con anticipacion los dedos para formar el acorde y tocarlos un poco fuerte de manera que se note la armonia de ellos.

En la lección 48 vamos a tomar las misma indicaciones que fueron dadas para la leccion  44 y 46, acotando prestar suma atencion con el apoyado del dedo anular porque se debe destacar sobre el reto.

En la lección 49 se pasa por primera vez a la 2da posicion, pues interviene el "la" del 5º espacion de la primer cuerda, para pasar de la posicion del 4º compas a la siguiente, debe hacerse practicar en esta forma, levantar el dedo del "la" de la 3ra y correr correr el primer dedo del "do" al "do#" sin levantarlo de la cuerda.

La lección 50 el proposito de la misma es ejercitar la formacion del acorde en el tiempo 2, 3 y 4 de los compaces de esta leccion.

En la lección 51 estos acordes de cuatro notas, deberan pulsarse al principio con poca fuerza, levantando ligeramente la mano derecha en cada uno, los dedos indice, mayor y anular en direccion a la palma de la mano y el pulgar hasta unirse al indice.

En la lección 52 aqui se presenta por primera vez el caso de tener que pulsar simultaneamente el bajo y nota aguda acentuada, para realizar esta leccion se debera pulsar el bajo un momento antes que la nota aguda.

En la lección 53 la notas de 1ra mas fuertes y acentuadas. En la pocision del primer compas, si cuesta mucho el elumno. poner el tercer dedo en la 6ta cuerda, podra poner el segundo, debera hacerce presente el sostenido en fa de la llave.

En la lección 54 aqui se utiliza por primera vez el "si" de la tercer cuerda, tener sumo cuidado con este arpegio en cuanto a las notas apoyadas, tiene que sobresalir del resto.

En la lección 55 se presenta por primera vez el bemol y tambien vemos por primera ves el uso de la media barra, que se efectua extendiendo el primer dedo de la mano izquierda hasta la tercera cuerda, aplicandola de plano y oprimiemdo las tres cuerdas, 1, 2 y 3ra.

En la leccion 56 y 57 hay que tener sumo cuidado con la no acentuadas o apoyadas porque en algunas son sin apoyar, y sobre todo destacar las apoyadas.

La lección 58 esta basado en tiempo de 6/8, es una leccion bastante sencilla y facil, el objetivo de la misma es que no relacionemos por primeras vez con un tiempo de 6/8.

En la lección 59 tenemos arpegios para practicar y tener en cuenta que se acentua ninguna nota ni grave ni aguda, todas las notas sonara con igual intensidad.

En la lección 60 pulsar suavemente el acompañamiento del segundo compas dos golpe de fa-sol y que en cambio pulse fuertemente el "re" del canto que perdure el sonido. El mismo cuidado se debera tener en el cuarto compas y en el 2º y 4º  de la segunda parte. Hay que tener sumo cuidado con la notas acentuadas y el movimiento moderado de vals.

En la lección 61 evitar los movimientos inutiles de la mano izquierda, por ejemplo al comenzar el "mi" de la cuarta cuerda, debe mantenerse firme seis compases, el "fa" de la misma cuerda, los tres compaces subsiguientes, etc. Tener cuidado la fuerza de la mano derecha, pues el bajo (que lleva el canto), debe ser pulsado mas fuerte que el acompañamiento, pudiendo ser acentuado o apoyado y mantenido en todo su valor. El ritmo de la leccion es moderadamente de vals, el pulgar que lleva el canto, al apoyarse debe caer sobre la cuerda inmediata superior.

En la lección 62 y 63, se nos presenta en forma de acorde el acompañamiento y el canto de las notas graves con pulgar apoyado.

En la lección 64 sumo cuidado con la digitacion de la mano derecha y la acentuacion de las notas marcadas y apoyadas.

La lección 65 las notas del canto que son las agudas, deben ser ejecutadas mas fuertes y acentuadas. hay que tener sumo cuidado con el movimiento ritardando, ya que nos dará un pliegue de soltura para llegar al tempo.

En la lección 66 prestaremos suma atención en la digitacion de la mano derecha y las notas acentuadas y apoyadas. Al pasar del compás cuarto al quinto, los dedos 1 y 3 de la mano izquierda que pisan el "do" de la segunda cuerda y el "do" de la quinta, deben correrse sin levantarlo de la cuerda, el espacio inmediato superior o sean los dos "do#"

En la lección 67 hay que tener cuidado con el empleo de los dedos de la mano derecha y acentuación de las notas del canto, este estudio servirá como apoyo a mejorar la expresividad de las notas agudas.

En la lección 68 en mi opinión personal es mejor apoyar las notas que pulsa el dedo pulgar, menos el "re" del octavo compás, que no debe ser apoyado, ya que esta el re de la segunda cuerda que se ejecuta conjuntamente.

En la lección 69, si observamos con detenimiento, vamos a ver que unas notas son acentuadas y otras no, atención con esto por que vamos a lograr soltura en los dedos que llevan el canto.

En la lección 70, se nos presenta un ligado de valor o de prolongacion es decir, los que existe entre dos notas iguales y sus efectos, Sólo se toca la primer nota donde se inicia la ligadura, y se suma el valor de las restantes ligadas.

En la lección 71 vamos a agilizar el uso de los acordes, el cual serán preparados y tocados nitidamente y las notas del canto tanto graves como agudas, serán acentuadas en su ejecución.

La lección 72 es recomendable para la practica de la mano derecha. Hay que respetar cuidadosamente la digitacion de la misma y la fuerza de las notas acentuadas. Todas las notas "sol" de la 3 al aire en todo el estudio, deben sonar muy débilmente.

En la lección 73 vamos a observar la ejecución de un equisono que corresponde al "mi" de la segunda cuerda y al "mi" de la primer cuerda. El cual se debe ejecutar simultaneamente. Hay que tener en cuenta que la notas ejecutadas con pulgar deben sonar mas fuertes que las demás.

En la lección 74 y 75 vamos a respetar las notas apoyadas, las cuales se deben destacar  sobre la demás y con seguridad.

Y por ultimo en la lección 76 se nos presenta un armónico simple por primera vez, el cual se debe tocar pulsando con el dedo pulgar, apoyando sobre la cuerda inmediata superior y ejecutando el movimiento de la mano derecha algo mas cerca del puente.

En la lección 77 vamos a estudiar los ligados descendentes. Hay que tener sumo cuidado en prepara las notas de los ligados en 2, 3 y 5 compás poniendo los dos dedos del ligado simultaneamente.

En la lección 78 estudiaremos los ligados ascendentes. El dedo de la mano izquierda que produce el ligado debe percutir con firmeza cerca de la division.

En la lección 79 vamos practicar tantos ligado ascendentes como descendentes, el dedo que pisa la nota inferior debe permanecer bien firme.
La lección 80 se nos presenta con ligados en pocision fija, algo mas complicado, vamos a tener que preparar previamente la posición básica en cada compás de esta lección.

En la lección 81 vamos a descansar ya que es un estudio sin ligados, de manera de no lastimarnos.
Y por ultimo en la lección 82 debe tenerse presente que en los ligados descendente, no debe iniciarse el movimiento del ligado sin tener los dos dedos de la mano izquierda perfectamente colocados.

En la lección 83 vamos a tratar de no correr con el tiempo, se trata de un estudio muy útil para la mano derecha. Los dedos anular, índice, y pulgar deben pulsarse bien simultaneamente.

En la lección 84 se deberá tocar este estudio de arpegio haciendo resaltar bien la notas agudas de la guitarra.

En la lección 85 vamos a respetar los movimiento tal cual esta en partitura de esta lección, tener en cuenta que el cero indica que se tocara la cuerda al aire o sea libre sin pisar.

Y por ultimo en la lección 86 tocar acentuadamente las notas agudas marcadas con apoyo.