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Tablaturas Rock Nacional P/ Guitar Pro 7
La música folklórica de Argentina encuentra sus raíces en la multiplicidad de culturas indígenas originarias. Cuatro grandes acontecimientos históricos-culturales la fueron moldeando: la colonización española y la inmigración africana forzada causada por el tráfico de esclavos durante la dominación española (siglos XVI-XIX); la gran ola de inmigración europea (1880-1950) y la gran migración interna (1930-1980).
Aunque estrictamente el "folclore" solo es aquella expresión cultural que reúne los requisitos de ser anónima, popular y tradicional, en Argentina se conoce como folklore o música folklórica a la música popular de autor conocido, inspirada en ritmos y estilos característicos de las culturas provinciales, mayormente de raíces indígenas y afro-hispano colonial. Técnicamente, la denominación adecuada es música de proyección folklórica de Argentina.
En Argentina, la música de proyección folklórica comenzó a adquirir popularidad en los años treinta y cuarenta del siglo XX, en coincidencia con una gran ola de migración interna: a las ciudades desde las zonas rurales y a la Ciudad Buenos Aires y sus alrededores desde el resto del país (el llamado "interior"). Se instala en los años cincuenta, con el «boom del folklore», como género principal de la música popular nacional junto al tango.
Folklore Nacional Argentino
Folcloreishon
Guitarrista, compositor, creador y director de conjuntos de guitarras; ajedrecista. Nació en Dolores, provincia de Buenos Aires el 5 de Abril de 1903.
Falleció en Buenos Aires el 9 de Agosto de 1958, a los 55 años. Su vocación musical comenzó a los 11 años.
Las primeras nociones instrumentales las recibió de su madre, Doña Juana Peón, luego otros músicos populares de Dolores como Froilán Rojas, Orlando Urruspuru (guitarrista de Magaldi) y Pascual Galeano, le transmitieron algo de su personal escuela guitarrística.
Posteriormente ingresa al conservatorio Roig-Siccardi, con Alejandro Roig aprende solfeo y teoría musical y con el gran maestro Honorio Siccardi armonía y contrapunto.
En su adolescencia daba lecciones de guitarra a vecinos de Dolores y formaba pequeños conjuntos musicales con amigos del barrio, con estos salía a dar serenatas o a realizar sus primeras actuaciones en público.
Después de los 20 años abandona Dolores y se radica en Mar del PLata, allí en 1926 y 1927 organiza, con un grupo de alumnos aventajados y amigos, las Fiestas de la Guitarra, las que luego repite en Tandil.
1928 – Reside durante 8 meses en Tres Arroyos donde conoce a Andrés Segovia, quien lo escucha tocar y tiene comentarios elogiosos para con su arte.
1930 – Se radica en Tandil durante tres años, allí continúa ofreciendo clases particulares y con las Fiestas de la Guitarra, que repite al año siguiente.
Actúa en el Teatro Cervantes de esta localidad en forma individual e integrando conjuntos con sus alumnos. En una oportunidad compartió el escenario con el talentoso maestro español, de trascendencia internacional, Francisco Calleja.
1933 – Se establece definitivamente en Buenos Aires y participa en las audiciones radiales dirigidas por el recitador criollo Fernando Ochoa, a quien acompaña haciéndole el fondo musical a sus recitados, interpretaba algunos temas individualmente y además actuaba con sus «Escuadrones de Guitarras», creados y dirigidos por él mismo. Estos conjuntos de guitarras contaban entre 12 y 15 intérpretes, con ellos además de las actuaciones radiales se presentaban en teatros y realizaban algunas giras por el interior del país. También participaba con ellos en los «Fines de fiesta» de las obras teatrales de Claudio Martinez Payva: «Joven, Viuda y Estanciera» y «Ya tiene comisario el pueblo». Estas obras teatrales luego fueron llevadas al cine, donde también participó Fleury con sus «Escuadrones de Guitarras».
Intervino en audiciones radiales compartidas con el poeta uruguayo Yamandú Rodriguez y el actor, también uruguayo, Santiago Arrieta.
En la década del 30 conoció en Buenos Aires, en una reunión íntima, al famoso poeta español Federico García Lorca, que al escucharlo tocar le expresó «Chico, tú no eres de América, eres del mundo».
1945 – En San Carlos de Bariloche participó de una partida simultánea de ajedrez donde resultó ganador, en la misma intervino el entonces campeón nacional de este juego ciencia Jacobo Bolbochán.
1947/48- Inicia sus giras internacionales por Chile (Santiago, Viña del Mar, Valparaíso, Temuco), Brasil, país que recorrió en casi toda su extensión hasta llegar a las proximidades del Matto Grosso y Uruguay.
1952 – En Noviembre de este año viaja por sus propios medios a Europa.
Actúo en España: Madrid, Andalucía, Granada (donde obtuvo un resonante suceso), Sevilla, Huelva, Zaragoza y Barcelona. Esta gira estuvo auspiciada por el Instituto de Cultura Hispánica. De España paso a Francia y luego a Bélgica.
1953 – Regresó a la Argentina y continuó ofreciendo conciertos en su país, Uruguay y Brasil, hasta el fin de sus días.
Intérprete
El repertorio de Fleury estaba integrado por obras de autores clásicos como Bach, Albeniz, Tárrega, Sor y otros, fue uno de los primeros concertistas argentinos que interpretó la Chacona de Bach. Además en su repertorio figuraban obras de autores nacionales como Adolfo Victoriano Luna, Pedro Herrera, Justo Tomás Morales, Joaquín Lopez Flores, Juan de Dios Filberto, Tremsal y otros. También figura entre los primeros intérpretes de guitarra que difundio autores latinoamericanos por el mundo, como los paraguayos Agustín Barrios, Felix Perez Cardozo y Pablo Escobar, los uruguayos Martinez Oyhanguren, Héctor G. Costa, Menéndez, los brasileños Alberto Scupinari, Villa Lobos, Dilermando Reis y Lorenzo Fernandez, el boliviano Eduardo Caba y el venezolano Antonio Lauro.
Compositor
Reflejó una gran sensibilidad y talento componiendo temas que reflejan con emoción y verdad el espiritu de la campaña bonaerense y también del ambito porteño.
De izquierda a derecha: Fernando Ochoa,
Marta de los Rios, Abel Fleury y Argentino Valle
«Estilo Pampeano», una de sus obras cumbres, figura como composición obligatoria en la escuela músical de Tomsk, Siberia, Rusia, Fleury nunca estuvo en ese país.
Una vez por año, guitarristas rusos le rinden un homenaje en esa localidad siberiana, donde interpretan de 15 a 17 obras de su inspiración.
Grabaciones
Dejó pocas placas grabadas, no llegan a 10 discos de pasta 78 r.p.m. los cuales fueron regrabados en vinilo. Unos figuran en un larga duración denominado «Guitarras en el Tiempo», de un lado hay grabaciones de Atahualpa Yupanqui y del otro de Abel Fleury.
Existe otro larga duración «Queridos ausentes del folklore», contiene grabaciones de distintas figuras del género, entre ellas hay dos temas interpretados por Fleury, son «Relato» (preludio criollo) de su autoría y «Clave del aire» (canción porteña) de Juan de Dios Filiberto.
Transcripciones
Fleury transcribió para guitarra las siguientes obras del repertorio clásico: Moto Perpetuo op. ll de Nicolás Paganini, para una o dos guitarras; Los Estudios del Chiquito, de Honorio Siccardi; Pájaro Campana, galopa de Felix Pérez Cardozo; Pena Mulata, milonga de Sebastián Piana; Clave del aire, canción porteña de Juan de Dios Filiberto; Suite en La para Guitarra, de Leopoldo Silvio Weiss.
Composiciones para canto
Camino del recuerdo y Cruzando tu olvido, con letra de Lauro Viana, con este autor también compuso Pico Blanco; Brindis de Sangre, tango criollo con letra de José R. Suarez; Alma en pena, canción criolla con letra de Claudio Martinez Payva.
Abel Fleury
Nació en el barrio Belvedere de Montevideo, Uruguay. Estudió guitarra con Amílcar Rodríguez Inda y Abel Carlevaro, de interpretación, armonía y composición musical con Renée Marino Rivero y Guido Santórsola, de solfeo con René Fernández y Alicia Pietrafesa de Sanguinetti, de composición con Coriún Aharonián y análisis e información de la música del siglo XX con Graciela Paraskevaídis.
Fue profesor en Secundaria y docente desde su fundación del Taller Uruguayo de Música Popular (TUMP). Fue convocado como profesor de Arreglística en el 3er Taller Latinoamericano de Música Popular en Río de Janeiro, Brasil.
Fue docente de los cursos de armonía en la Asociación de Músicos Populares del Uruguay y participó desde su fundación en los cursos de armonía y composición en La Casa de la Guitarra.
Como Docente
En 1987 obtuvo por concurso de méritos el cargo de profesor de Armonía en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República (UDELAR) y en 1998 fue contratado por la misma para dictar los Cursos de «Actualización Profesional sobre perfeccionamiento de la mano derecha en guitarra» y «Acompañamiento en los diferentes lenguajes musicales».
En 1999 es nuevamente convocado por la Universidad de la República para dictar los cursos de «Actualización profesional sobre armonía para instrumentos de cuerda» y en el 2000 tuvo a su cargo los cursos de «Armonía e improvisación para instrumentistas en general.
Tiene 34 años de trayectoria como docente. Han pasado por su Fábrica de músicos cientos de alumnos entre los cuales se encuentran destacados compositores, intérpretes y cantautores rioplatenses y extranjeros quienes lo han convertido en Maestro de maestros.
Actualmente continúa con su trabajo docente en estudio de la calle Valentín Gómez, espacio referente donde con sus profundos estudios y experiencia cultivó su propio método de enseñanza que materializó en su obra bibliográfica.
Esteban Klísich ha sabido transitar desde la música llamada culta hacia los más diversos géneros, recreando paisajes sonoros ciudadanos, camperos y populares. Tres cassettes, un LP y seis Cds reúnen sus 87 obras-canción.
Compuso treinta y tres obras instrumentales, algunas de las cuales han sido interpretadas por destacados músicos uruguayos y extranjeros. Su obra "El Glorioso" compuesta en 1985 para cuarteto de vientos, fue grabada en el disco "Compositores del Uruguay, volumen 5", editado en 1988 y 1992. Dos de sus últimas composiciones instrumentales: "Suite del Eclipse de Luna", obra para dos guitarras (2006) y "El Oriental", concierto para guitarra y orquesta (2007) se estrena este año.
Esteban Klisich
Ernesto Méndez forma parte de una nueva generación de guitarristas-compositores argentinos. Aprende guitarra en su primera infancia, realizando luego estudios formales en la Escuela de Música de Paraná, en la cátedra del maestro Eduardo Isaac.
Ha editado tres discos compactos como solista: "Alma Guaraní", en 1999 para la Colección "Guitarras del Mundo" de Epsa Music, y en 2005, "Alborada" para el sello independiente "Shagrada Medra" y "Pueblero" en 2011 nuevamente en Epsa Music. Cumple una intensa actividad de conciertos en diferentes escenarios de Argentina y Europa. Sus composiciones son interpretadas y grabadas por guitarristas de distintas partes del mundo. Actualmente desarrolla su actividad docente en las cátedras de "Guitarra" y "Música Folklórica y Popular" de la Carrera de Música de la Facultad de Humanidades, Artes y Ciencias Sociales de la Universidad Autónoma de Entre Ríos.
"PUEBLERO" (Epsa Music, 2011) muestra las posibilidades y concreciones que ha tenido el repertorio guitarrístico en la música del litoral. El chamamé es un género que posee una notable riqueza rítmica y contrapuntística. A esa riqueza natural, propuesta en piezas tradicionales de Mario Millán Medina, Félix Pérez Cardozo o Albérico Mansilla, se suman piezas originales para la guitarra de Walter Heinze, Rudi Flores, Nini Flores y el propio Ernesto Méndez.
Ernesto Mendez
Edgardo Acuña comienza su carrera musical con el grupo "UB-Tango", para luego transitar por los conjuntos de Orlandio Trípodi, el "Cuarteto del 900" y las orquestas de José Colángelo y Osvaldo Berlingieri. Con estas agrupaciones realiza recitales en el interior y exterior del país, abarcando toda América y Europa, realizando asimismo innumerables grabaciones.
Acompañó a artistas de la talla de Raúl Lavié, Roberto Goyeneche, Rubén Juárez, Alberto Podestá y Roberto Rufino, entre otros.
Como compositor, ganó un premio nacional con su "Tango de Circo", y su obra "Tango atroz" fue seleccionada y editada en un CD por la revista Songline (Inglaterra, 2008).
Formó los conjuntos "Neokuarteto" y "Undertango".
Fue director musical de "El Viejo Almacén", y en 1998, fue convocado para la dirección musical del espectáculo "Tango Venus", en Japón.
Integra "Fabián Bertero y los Músicos de Buenos Aires" desde su fundación, el Quinteto de Atilio Stampone, las orquestas de Pascual Mamone y Nicolás Ledesma y el quinteto de la Fundación Astor Piazzolla.
Edgardo Acuña
Ayala nació en Concordia, provincia de Entre Ríos. Comenzó su carrera como guitarrista en Buenos Aires e hizo su debut en 1936 como acompañante de cantantes de tango y folclorista. Más tarde, se unió a los Escuadrones de Guitarra, ensamble de integrado por 12 a 15 guitarras dirigidas por Abel Fleury. En los años cincuenta trabajó en radios de Buenos Aires y fue miembro de un cuarteto de tango dirigido por Aníbal Troilo.
Héctor Ayala compuso un número importante de obras para guitarra, incluyendo piezas inspiradas en la música argentina y de otros países latinoamericanos. También escribió diferentes métodos didácticos para enseñar guitarra. Su obra más recononocida es la Serie americana (Buenos Aires: Editorial Aromo, 1962), que consta de siete movimientos.
Héctor Ayala murió en Buenos Aires, el 12 de marzo de 1990.
Hector Ayala
Su primer acercamiento a la guitarra fue en forma autodidacta a los 13 años de edad. Posteriormente inició sus estudios formales de guitarra y lecto-escritura musical en el Liceo Municipal de la ciudad de Santa Fe, estudios que luego complementó con los de armonía y piano en el Instituto Superior de Música de la misma ciudad.
Desde muy temprana edad sintió especial interés por la música popular Argentina y del litoral, a raíz de esto formó parte de diferentes agrupaciones dedicadas a estos géneros como también hizo presentaciones solistas en distintos ámbitos del país.
Realizó cursos de "Arreglos y formas musicales" con Juan Falú, de "Ensamble" con Lilián Saba y de "Tango" con Rodolfo Mederos.
Con "El Puente" y con el trío de música del litoral "La Tríada" -del cual fue fundador-, recorrió distintos escenarios del país entre los que se destacan el Festival Nacional de Chamamé, el Festival de Doma y Folklore y el Festival Nacional de Folklore de Cosquín.
Desde el año 2002 fue guitarrista estable del reconocido acordeonista Raúl Barboza, con quien realizó giras ininterrumpidas por Argentina y otros países.
A partir del 2005 fue convocado por el maestro Juan Falú para participar del Festival Guitarras del Mundo.
La edición del libro "Guitarra Argentina" impulsada por el Fondo Nacional de las Artes, incluye una de sus composiciones; un chamamé titulado "Corazón Chaqueño". Y su obra "El cumpita" integra el CD "Música latinoamericana para guitarra" editado por Epsa Music.
Realizó presentaciones como solista interpretando sus propias composiciones y arreglos sobre el cancionero popular argentino y latinoamericano; y en dúo junto al acordeonista chaqueño Julio Ramírez, abordando un repertorio dedicado a la música del litoral, con los clásicos del género, y también composiciones propias.
Además participó de las bandas que acompañaron a Liliana Herrero, Coqui Ortíz, Juan Quintero y Teresa Parodi entre otros artistas.
Radicado luego en la localidad de Garupá, provincia de Misiones, presentó su primer disco solista llamado "Guitarras", y brindó clases y talleres de música del litoral, en distintas partes del país y en la región.
Falleció el 7 de junio de 2009 en un accidente automovilístico.
Horacio Castillo
Comenzó a tocar folclore en la guitarra a la edad de 5 años. Estudió guitarra clásica y jazz.
Ha integrado diversos grupos entre los que se destacan: "De Antiguos Pueblos" en 1988/89 (ganadores del Festival "Cosquín" 86), "Santaires" en 1990, y ha acompañado a importantes artistas del género tanguero y folclórico.
Participó del ciclo "Guitarras del Mundo" como guitarrista y coordinador de la sede en su ciudad natal.
En julio de 2005 realizó una gira, junto al bandoneonista César Olguín, por distintos foros de la ciudad de Distrito Federal (México), que culminó con una grabación del dúo, próxima a editarse en aquél país.
Ha editado un disco con 16 composiciones propias y prepara un segundo material discográfico.
En 2005 participó del "Octavo Encuentro Internacional de la Guitarra" en Taxco (México).
Dirige y es arreglador del ensamble de guitarras "Don Julián", integrado por 15 alumnos del conservatorio.
Es Profesor Superior de guitarra en el Conservatorio "Julián Aguirre", y se dedica a la composición y realizar arreglos de música popular argentina para guitarra solista.
Jorge Alberto Jewsbury
Jorge Morel nació en Buenos Aires el 9 de Mayo del 1931 con el nombre de Jorge Scibona. La familia era descendente de Sicilia. Por motivos de mala pronunciación con su apellido, fue aconsejado que lo sustituyera por el apellido Morel.
Morel empezó a tocar la guitarra a la edad de siete años bajo la tutela estricta de su padre, Domingo, quien reconoció su talento innato e hizo muchos sacrificios para que pudiera continuar su educación musical y en definitiva su carrera. Cuando Jorge tenía 12 años, su padre le regaló una guitarra de la Casa Nuñez, un instrumento muy bueno que continuó tocando hasta que desafortunadamente se le estropeó en el 1959. Con esa guitarra que tanto adoró de Casa Nuñez, Jorge preparó su técnica, estudiando en la Academia del Profesor Pablo Escobar. Después de graduarse, Morel acompañó a Escobar en programas de radio y conciertos en Argentina.
Morel fue invitado a tocar al Ecuador, Colombia y Cuba. En Cuba recibió un merecido reconocimiento con una calurosa acogida por su habilidad guitarrística. En Cuba fue donde grabó su primer disco en 1959. Unos años después, Maestro Morel grabó su segundo álbum con la Decca y después tres discos más le siguieron. Debido a la política cubana en esas fechas, Morel viajó a Puerto Rico. Puerto Rico estaba más cerca a los Estados Unidos y en particular a la ciudad en la que profesionalmente aspiraba alcanzar sus sueños, Nueva York.
Fue en Puerto Rico donde Morel conoció al amor de su vida, Olga, con la que se casó en 1961. Tuvieron una hija, Francesca.
Vladimir Bovri, el legendario Presidente de la Sociedad de Guitarra Clásica de Nueva York, escuchó las maravillosas interpretaciones de Morel en Puerto Rico y preparó el camino para organizarle conciertos en California y Hawaii y eventualmente su debut en Carnegie Hall. Esto cambió el rumbo de su vida y el de su esposa Olga para vivir en la ciudad de Nueva York donde el Maestro Morel estudió composición durante dos años con Rudy Schramm.
Después de mudarse a Nueva York, el Village Gate se convirtió en el lugar frecuente donde Morel tenía la oportunidad de colaborar con leyendas del jazz Errol Garner, Dizzy Gillespie, Stan Kenton y Herbie Mann. También durante este tiempo, conoció a Chet Atkins, de gran reconocimiento por su estilo de música “ fingerstyle. “ Chet se dio cuenta de su talento tan especial y le facilitó el camino a Morel para grabar un disco con la RCA Victor. Esta amistad tan especial catapultó la carrera de Morel y continuó hasta el fallecimiento de Atkins. ( Morel, con la gentileza que le caracterizaba, más tarde le regaló su guitarra Manuel Velazquez después de oír a la esposa de Atkins que Chet estaba buscando precisamente una Velazquez).
Después de grabar un nuevo álbum, Morel fue de gira por Canadá y los Estados Unidos donde dio alrededor de unos 70 conciertos al año. Morel a menudo tocaba en ciudades remotas donde no habían tenido la oportunidad de escuchar la guitarra clásica. Tocó también miles de conciertos internacionales. En Polonia, donde era muy apreciado, aceptaba tocar por honorarios muy bajos que ellos podían disponer. Para Morel, su dedicación era componer y mientras pudiera alcanzar un nivel de vida que lo sustentara era más que suficiente para él.
La reputación de Morel como músico y más importante como compositor, progresó a lo largo de su carrera. Cultivó un estilo personal único con una expresión artística sofisticada. La contribución creativa de Morel como compositor ha recibido el respeto y el reconocimiento de sus compañeros de profesión y se estableció en su carrera como uno de los líderes que han contribuído al desarrollo progresivo de la guitarra clásica. A través de sus propias composiciones y arreglos, Morel ha aportado sustancialmente al repertorio de la guitarra clásica con obras que imponen a la escuela tradicional de la guitarra una exigencia técnica y estilística. Morel como compositor prolífico, escribió para guitarra solista, para Dúos, conciertos de guitarra y orquesta y quintetos de música de cámara.
Jorgel Morel
El 29 de septiembre de 1917, hace exactos cien años, nacía en Salta uno de nuestros más grandes artistas, Gustavo “Cuchi” Leguizamón, el creador tal vez más original del folclore argentino.
Para pensar el lugar de Leguizamón en el folclore podría volver a evocarse la clásica gradación universal: si Atahualpa Yupanqui es el genio clasicista, Eduardo Falú es el gran músico romántico y Gustavo Leguizamón, nuestro mayor modernista.
El núcleo compositivo de Leguizamón acaso haya consistido en una mirada ligeramente desplazada sobre los materiales disponibles y los modos melódicos del folclore.
Sus armonías suenan modernas sin deberle nada al jazz. El particular color armónico de piezas como Balderrama, Zamba del carnaval o Zamba de Lozano proviene de un corrimiento mínimo, de la alteración de un grado en la escala diatónica.
Sus melodías, aun las más imprevistas, tienen un efecto de naturaleza; como algo que estaba allí, alojado en un viejo modo del folclore, esperando su realización.
Cuchi Leguizamon
Juan Falú es músico de formación autodidáctica, considerado como referente fundamental de la música argentina, en su doble condición de compositor e intérprete.
Fue distinguido como Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de Buenos Aires.
Obtuvo el Premio Nacional de Música 2000, otorgado por el gobierno de su país; el Premio Clarín a mejor artista de música folklórica argentina en 2001 y 2007 y el Premio Gardel, al que fuera nominado en cinco ediciones.
Sus obras para guitarra recrean las raíces musicales argentinas, siendo además creador de canciones que integran el repertorio de destacados intérpretes del folklore argentino.
Como intérprete, Juan Falú revela un profundo conocimiento de las músicas de su tierra, proyectándolas desde la raíz hacia nuevos horizontes y con una reconocida capacidad de improvisación.
Ha ofrecido conciertos en prestigiosas salas de más de treinta países de las Américas, Europa, Asia y África, durante 30 años ininterrumpidos.
Juan Falu
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El guitarrista Jose Verdi presenta esta innovadora propuesta de arreglos faciles para guitarra, sobre el complejo mundo de la armonía y su plasmación concreta en la guitarra, a partir de su propia experiencia y de las ideas que surgen de su intensa labor pedagógica.
El trabajo gira en torno a un material de uso común en la música actual, no dejando detalles a la expresion musical contemporanea (uno de los estilos que más se ha desarrollado a nivel armónico), pero que también será de utilidad para guitarristas de cualquier estilo que quieran ampliar y profundizar el uso de los recursos armónicos.
Jose Verdi
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Profesor de Guitarra y Solfeo en la Academia de Guitarra de Consuelo Mallo López. Profesor Superior de Guitarra en el Estudio de Guitarra de Jorge Martínez Zárate.
Curso de Piano y Solfeo con Blanca Peralta Parodi y Francisco Javier Ocampo. Curso de Armonía con Carlos Guastavino. En 1972 Seminario Internacional de Guitarra organizado por la Facultad de Música de Liceu Palestrina, Porto Alegre, Brasil.
Estudio de Guitarra con Abel Carlevaro, Armonía con Guido Santórsola y Guitarra con Graciela Pomponio. Curso sobre el "Sistema Conciente para la técnica del Movimiento" en 1975 con Perla Carmona, pianista, y de 1976 a 1985 con Fedora Aberasturi, pianista y creadora del Sistema.
Entre 1982 y 1992 Estructuras de Lenguaje Musical con Sergio Hualpa y Enrique Cipolla.
Entre 1992 y 1996 Interpretación del Tango en la Guitarra Solista e Historia de la Guitarra Tango con Aníbal Arias
Juan Aragon Luna
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Comenzó sus estudios guitarrísticos a temprana edad en Arrecifes (Pcia. de Buenos Aires) su ciudad natal, para luego continuarlos en Buenos Aires bajo la guía de la prestigiosa guitarrista Sta. María Luisa Anido.
Joven aún, fue seleccionado por la Sub-Secretaria de Cultura de la Nacion en el ciclo: "Nuevos Valores Musicales", habiéndose presentado en recitales públicos en diversas salas y emisoras radiales de la Capital Federal y ciudades del interior del país.
Posteriormente se radica en la ciudad de La Plata donde continuó sus estudios de formación musical en el Conservatorio Gilardo Gilardi y con la Profesora Graciela Pomponio en instrumento, egresando con el título de Profesor Superior de Guitarra.
Luis Maria Soria
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Con el objetivo de organizar el amplio (pero a menudo disperso) abanico de material armónico disponible y definir la metodología más adecuada para su asimilación y puesta en práctica, el guitarrista presenta esta innovadora perspectiva sobre el complejo mundo de la armonía y su plasmación concreta en la guitarra, a partir de su propia experiencia y de las ideas que surgen de su intensa labor pedagógica.
El trabajo gira en torno a un material de uso común en la música actual, mucho del cual ha estudiado con enfasis Marcelo Febula (uno de los estilos que más se ha desarrollado a nivel armónico), pero que también será de utilidad para guitarristas de cualquier estilo que quieran ampliar y profundizar el uso de los recursos armónicos, atravez de estos arreglos.
Marcelo Febula
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Los orígenes de Marcha Patriótica se remontan al 20 de julio de 2010, día en que se conmemoraba el bicentenario del grito independentista de 1810.
Este día se llevó a cabo en Bogotá una movilización social denominada « Marcha Patriótica y Cabildo Abierto por la Independencia », en ella marcharon cerca de 18.000 personas pertenecientes a diferentes organizaciones sociales de todo el país, contra las políticas del entonces presidente Álvaro Uribe y el colonialismo.
Sin embargo su oficialización como movimiento social y político se produjo en abril de 2012.
Marchas Patrioticas Argentinas
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Era la cuarta hija del editor Juan Carlos Anido y de su esposa Betilda González Rigaud. Su familia se trasladó a Buenos Aires cuando ella era muy joven.
Cuando tenía nueve años, dio su primer recital. Estudió guitarra bajo la dirección de Domingo Prat y Miguel Llobet, y tres años más tarde se recibió como concertista.
Actuó como concertista en varíos países de América y Europa, así como en Japón y la Unión Soviética.
En 1921 ganó el premio de la Asociación Wagneriana. A partir de 1941, dictó la cátedra de guitarra en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico de Buenos Aires.
Maria Luisa Anido
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