La teoría musical es un campo de estudio que tiene por objeto la investigación de los diversos elementos de la música, entre ellos el desarrollo y la metodología para analizar, escuchar, comprender y componer música.

Mientras que la musicología puede incluir cualquier declaración, creencia o concepción de lo que es la música, la teoría musical está limitada a las discusiones concernientes a los eventos sincrónicos (o diacrónicos) de una composición específica (o varias composiciones), y a los capítulos músico-teoréticos abstractos (por ejemplo teoría de conjuntos, teoría de grupos, teoría de tensión tonal, etc.).

Enric Herrera (Barcelona, 1948) es un músico, compositor, arreglista y pedagogo catalán. Durante el franquismo era habitual que su nombre apareciera como Enrique Herrera.

Fue miembro fundador del grupo Máquina!, miembro fundador y primer director del Aula de Música Moderna y Jazz de Barcelona y autor de los libros "Teoría Musical y Armonía Moderna", volumen 1 y 2.

Destacó por su talento para la composición, los arreglos musicales y como instrumentista.

Una escala musical es una serie ordenada de sonidos a partir de una primera y última nota del mismo nombre, que dan nombre a la escala entre los que se mantienen unos determinados intervalos musicales, que dan nombre al tipo de escala.

El término modo hace referencia a las escalas y reglas compositivas de la melodía usadas en los sistemas musicales antiguos, especialmente a los «modos medievales» utilizados en los cantos llanos (como el canto gregoriano).

También puede utilizarse para designar a los «modos griegos», escalas descendentes del sistema musical de la antigua Grecia. En un sentido más amplio engloba también las ordenaciones de alturas utilizadas en la música folclórica, étnica y la proveniente de culturas no europeas.

El uso de un modo en una pieza o fragmento musical se conoce como «modalidad». Cuando se utiliza más de un modo simultáneamente se habla de polimodalidad, como por ejemplo la polimodalidad cromática.

Históricamente, existen tres cumbres relevantes en el arte del contrapunto. La primera fue la auténtica polifonía 'absoluta' del período gótico, y el elaborado y virtuosístico contrapunto de las escuelas franco-flamencas que le siguieron.

La segunda, la música de la última mitad del siglo dieciséis, ejemplificada por Palestrina; mientras que la tercera, la del barroco, está resumida en las obras de Johann Sebastian Bach.

El primero de los períodos mencionados ha dejado de ejercer una influencia activa en nuestra música, pero Palestrina y Bach se han convertido en los auténticos símbolos de la polifonía.

Una rápida observación de la obra de estos dos autores revela la existencia de dos maneras distintas de aproximación, dos actitudes o estilos contrapuntísticos diferentes. Ambos estilos son de máxima importancia en el desarrollo del arte musical, y el estudio de estos dos tipos de escritura contrapuntística es indispensable para cualquier músico y estudiante de música.

El término "Lenguaje" hace referencia a la comunicación, es decir, a la capacidad de hablar, leer y escribir con comprensión.

El adjetivo "Musical" delimita el concepto de lenguaje a unos signos determinados, que tienen como soporte el sonido y sus cualidades, y que se estructuran en unidades mayores.

El Lenguaje Musical lo definimos (dentro del sistema tonal que es el más utilizado aunque no el único) como la capacidad de comunicación a través de una sucesión de acordes estructurados armónica, rítmica, melódica y formalmente

Uno de los mayores desafíos a los que se han enfrentado muchos de los compositores de la pasada centuria ha sido la aceptación – no exenta de rivalidades y polémicas - de la escala cromática de doce notas como sustrato y herramienta musical indispensable para la comprensión del rico desarrollo del contrapunto actual en sus diferentes modalidades y escuelas .

Durante los últimos cuatrocientos años de la Historia de la Música, han existido diferentes etapas contrapuntísticas, todas ellas encaminadas hacia una mejor comprensión de la escritura horizontal y a la experimentación – asumiendo riesgos musicales muy elevados en algunos casos – con las diferentes líneas de voz que coexisten e interrelacionan dentro del tejido armónico de una determinada composición.

Contrapunto y armonía son dos caras – inseparables - de una misma moneda. Sin un armazón – o estructura musical – coherente y bien diseñado armónicamente, sería caótico acometer la tarea compositiva con rigor. Por tanto, el conocimiento y la comprensión de las relaciones que guardan entre sí un conjunto de notas que suenan simultáneamente en acordes (vertiente o lectura vertical) es esencial para comprender y disfrutar del fenómeno musical en todas sus manifestaciones.

El Jazz blues es un estilo musical que combina el jazz y el blues. Este término también se utiliza para hacer referencia a cualquier melodía que siga la progresión de acordes estándar de doce compáses de blues y cuya interpretación se acerque más al estilo del jazz que al estilo del blues tradicional.

La música blues tuvo una influencia importante en el desarrollo del jazz, siendo muy comunes las melodías de jazz blueseras en el repertorio del jazz (además de la progresión de acordes, los intérpretes de jazz tomaron prestados otros elementos estilísticos del blues como la nota de blues, la forma musical de las melodías y los riff de blues).

Un jazz blues suele presentar un tratamiento más sofisticado (e incluso distinto) de la armonía que un blues más tradicional, permaneciendo sin embargo las características de la progresión estándar de doce compáses.

Una de las principales formas mediante la cual, los músicos de jazz, consiguieron esto fue con la utilización de la sustitución de acordes: un acorde de la progresión original se reemplaza por otro, u otros, manteniendo la misma función pero añadiendo un color diferente o añadiendo un movimiento armónico distintivo dentro del movimiento armónico general.

El contrapunto (del latín punctus contra punctum, «nota contra nota») es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico.

Esta práctica surgió en el siglo XV alcanzando un alto grado de desarrollo en el Renacimiento y el periodo de la práctica común, especialmente en la música del Barroco y se ha mantenido hasta nuestros días.

En su aspecto más general el contrapunto implica la escritura de líneas musicales que suenan muy diferentes y se mueven independientemente unas de otras pero suenan armoniosas cuando se tocan simultáneamente.

En cada época, la escritura de música organizada contrapuntísticamente ha estado sujeta a reglas, en ocasiones estrictas. Por definición, los acordes se producen cuando diversas notas suenan al mismo tiempo.

Sin embargo, los rasgos armónicos verticales se consideran secundarios e incidentales, cuando el contrapunto es el elemento textural predominante. El contrapunto se centra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción.

Dither de la Motte es autor de numerosas composiciones de las más diversas direcciones estilísticas. Aparte de los géneros tradicionales tales como la ópera, música de cámara, música coral, etc, ha escrito obras en las que intervienen medios electrónicos.

Ahora presenta uno de los mejores tratados de Contrapunto traducidos al castellano, al igual que Armonía del mismo autor, hace una revisión cronológica y estilisticamente de los aspectos mas sobresalientes de composiciones y compositores de distintas y épocas y procedencias.

Método de teoria musical, que reúne todos los conceptos teóricos necesários para el aprendizaje musical y al final de cada capítulo, un cuestionário, ejercícios teóricos de solfeo relativos a cada punto abordado.

MUSICA : es el arte de combinar los sonidos y el tiempo.
El sonido y el tiempo estan representados por caracteres y señales escritos en una partitura o pentagrama, que es un conjunto de 5 lineas y cuatro espacios, al sonido pertenecen : las claves, notas, sostenidos, bemoles, becuadros, letras como ej:(p) piano, o (f)forte, y muchas mas palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que estan dentro del pentagrama, modifican el sonido.

Al tiempo pertenecen los compaces, figuras, puntillos, silencios, puntos de reposo, calderon, y como con los sonidos palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que estan dentro del pentagrama, modifican el tiempo.

Alan Belkin ha escrito y publicado en el internet 4 libros sobre Composición, Countrapunto, Armonía y Orquestación. He estado revisando el de composición y creo que puede ser muy útil para que mejorar la técnica. En particular comulgo completamente con el siguiente párrafo, extraído de la introducción:

"... A lo largo de muchos años ejerciendo como compositor y como profesor de composición musical a varios niveles, me he visto sorprendido repetidamente por la falta de información práctica sobre el modo en que se construye la música.

Existen buenos textos de armonía, contrapunto, y orquestación, pero los principios prácticos de la forma musical, especialmente desde el punto de vista del compositor, están extrañamente ausentes.

Por “principios prácticos de la forma musical” no me refiero a la clasificación de unidades estructurales –por útil que pueda ser– sino al modo en que las ideas musicales se organizan y se conectan a lo largo del tiempo, de modo que su evolución sea convincente. Incluso estudiantes con mucha experiencia en análisis a menudo tienen poca idea sobre como elaborar una transición, como construir un climax, o como crear un sentido satisfactorio de conclusión.

De forma continuada se ven comienzos que no crean interés o suspense, transiciones que divagan de una idea a la siguiente, secciones que carecen de balance, y finales que parecen alcanzarse de forma casi arbitraria. El estudiante necesita una guía específica sobre como satisfacer tales requerimientos formales básicos."

Electric Counterpoint es una obra escrita por Steve Reich, compositor estadounidense de vanguardia, estrenada por Pat Metheny en 1987. La idea, para su ejecución en vivo como se grabó este EP, es que un mismo guitarrista grabe en 12 sesiones las 10 guitarras y 2 bajos eléctricos como están en la partitura, y luego use esa grabación como pista para tocar encima otra guitarra más. ¡No hay que pensar que se trata de un contrapunto de estilo barroco a 12 voces!.

Cada guitarra toca casi las mismas notas que las otras, generando un efecto acústico casi hipnótico en la superposición. Tantas guitarras juntas generan un timbre extraño, como de un nuevo e indefinible instrumento eléctrico.

Cada nota, cada efecto, aún los fade in y fade out fueron escritos por el autor. La música puede ser escuchada con mucho interés, es muy melódica y llevadera, con cierto carácter mántrico, no es para nada hermética, y se asemeja en sus recursos a mucha música electrónica relacionada con la escuela minimalista, o el ambient.

Nadie mejor en la Argentina que Orias Diz para encarar la grabación de este material. Se trata de un guitarrista especializado en el repertorio contemporáneo, que ya grabó otras obras nuevas en sus anteriores discos. Este trabajo trae mucha información sobre la obra, sobre el compositor y sobre el intérprete, de manera interactiva.

Los tres videos que ilustran cada movimiento son un complemento ideal para la música. Cada uno es muy distinto del otro, los tres muestran a la perfección lo que la obra dice. Recomendamos hacer la experiencia de entrar a esta obra de manera mixta (visual y auditiva) en computadora, y luego escuchar, en un buen equipo a volumen más alto, la música sola, para perderse en el viaje de cada línea de guitarra.

(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.

Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
.
A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.

Escrito en el lenguaje del músico de jazz de trabajo, este libro es fácil de leer y fácil de usar. Al mismo tiempo, es el estudio más completo de la armonía del jazz y la teoría de que haya sido publicada.

Via de 500 páginas de texto y más de 750 ejemplos musicales, lleva al estudiante de las técnicas más básicas como la construcción de acordes y la progresión II-VI a través de la teoría de la escala, el blues, "Tengo el ritmo" cambios, recortar acordes , el bebop y escalas pentatónicas.

Cómo leer una lámina de plomo y memorizar canciones y un estudio de rearmonización que es casi un libro en sí mismo. El autor, Mark Levine, ha trabajado con Bobby Hutcherson, Cal Tjader, Joe Henderson, Woody Shaw, y muchos otros grandes del jazz.