Este libro podría ser el libro de la teoría de jazz más importante que tendrá que comprar. Su mayor fortaleza es la organización y la instrucción fácil de seguimiento sobre un tema que obviamente puede llegar a ser muy complicado. 

Waite elimina una gran cantidad de empantanado lectura a primera vista y la notación complicado excesivamente, y se presenta el tema con una seriedad de propósito y claridad increíble. El libro está lleno de todo tipo de cosas que se encuentran en otros libros del piano de jazz, haciendo de este uno el de conseguir si usted está comenzando a cabo. No soy un gurú del piano, pero este libro parece simplemente increíble en el ámbito de cobertura y también muestra una profundidad considerable. 

Algunos de los temas incluyen: intervalos, la notación musical básica, los acordes de construcción, construcción de escalas, / armonía escala disminuida mayor / menor, polychordism (aunque creo que hay formas más fáciles de abordar esto que a su manera), voces (mano izquierda y las dos manos), modal jazz y sus4 acordes, flatted sustituciones quinto, progresiones de acordes (lotes en esto), que pasa / ornamentales / notas de acordes, líneas de bajo, tiempos de respuesta, estilos de juego, relaciones acorde / escala, consejos de la improvisación, y una enorme apéndice completo de progresiones de acordes para practicar . 

Los sistemas diatónicos mayor y menor son claves para describir los sonidos típicos en la música popular, pero hay muchos casos en que las progresiones de acordes parecen no encajar en las reglas de una u otra tonalidad. Lo normal es que una progresión gire alrededor de la tónica de un acorde mayor o menor, aunque puede también tener acordes que no pertenezcan a la armonía de la escala de la nota tónica. 

Es interesante remarcar que algunas de las progresiones de acordes más simples de oir y tocar requieren de una compleja explicación teórica. Esto se debe a que los sistemas diatónicos fueron desarrollados antes de la incursión de los estilos no occidentales, como el blues, que introdujeron sonidos que quedaban fuera de las reglas de la armonía clásica. 

Tratado que tuvo su origen en las clases de contrapunto que Arnold Schoenberg dirigió en la Universidad de California. Para dichas clases, el compositor elaboró numerosos ejemplos que ilustraban todos los aspectos del contrapunto, desde el más simple tratamiento de las especies hasta el preludio coral y la fuga.

A Schoenberg siempre le gustó describir su método de trabajo de clase como un "proceder sistemáticamente", es decir, probando por orden todas las soluciones. 

Esta forma de proceder tiene por meta animar al estudiante a que descubra por sí mismo todas las posibles soluciones o enfoques de un problema dado, en el marco de unos límites cada vez más amplios.

El libro presenta, con la mayor brevedad posible, la práctica armónica común de los compositores de los siglos XVIII y XIX. Las reglas se presentan como observaciones informativas, sin intentar justificarlas sobre fundamentos estéticos o como leyes de la naturaleza. 

Con estos principios se consigue una rápida y lógica comprensión de la materia. Su núcleo trata de forma exhaustiva un curso de armonía tonal, con numerosos ejemplos, la exposición de las distintas tendencias entorno al ritmo armónico, la estructura de la frase musical y los métodos analíticos.

La obra se conoce desde hace tiempo como libro de texto introductorio pero, debido a su carácter global, sirve también como libro de consulta tanto de profesores como de alumnos.

Esta obra, además de ofrecer su eficaz contribución a la enseñanza de la armonía, presenta una extraordinaria visión histórica de la misma. El libro realiza un minucioso recorrido a través de las transformaciones armónicas que han marcado la evolución del lenguaje musical en esos cuatrocientos años.

De la Motte enfatiza su propósito de “promover la comprensión del aspecto individual que encierra la invención armónica y desarrollar la captación de esta”.

La obra dispone de un capítulo dedicado a: Bach, Haendel, Vivaldi, Teleman, Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Wagner, Listz, Debussy, para finalizar, en el siglo XX con Schönberg, Webern, Hindemith, etc.

El autor de este tratado, estudió composición con Wilhelm Maler , piano y dirección. Luego fué lector y crítico musical en Düsseldorf. También fue profesor de conservatorio, enseñando entre otros a Clemens Kühn. Sus obras lideran la literatura estándar para el estudio de la música y ciencias musicales.

Con ello se consiguen tres objetivos fundamentales: 

Estos intervalos son los que conforman los ciclos de quintas y sus substituciones, y según las especies de los acordes se advertirá el centro tonal y distinguirán las áreas de tónica y dominante.

Planteado en principio con propósitos didácticos y con el fin de poner remedio a los débiles conocimientos de armonía de sus alumnos de composición de la Universidad de California, Arnold Schoenberg (1874-1951) redactó entre 1947 y 1948, este libro.

Es una de sus más hermosas y singulares contribuciones al estudio de la armonía tonal. Es, además, una de las obras más estimulantes y sugestivas dentro del panorama de la tradición teórico-analítica del siglo XX; sin duda, junto a la obra general de Schenker, la aportación más valiosa. 

De obligada consulta, útil en el terreno del análisis pero también en el de la interpretación y, por supuesto, en el de la enseñanza. Puesto que estamos seguros de su importancia, nos 
permitimos recomendar efusivamente su atenta y detallada lectura.

La armonía tonal moderna es la utilización sistemática de los recursos armónicos desarrollados en los últimos años en el campo de la tonalidad. 

Las principales contribuciones a este desarrollo provienen de música jazz y han sido el resultado de la actividad creadora de un considerable numero de arreglistas y compositores`. (Tomado de la introducción de este libro). 

Excelente libro que explica desde cero, lo concerniente a la armonía en general hasta llegar a la armonía tonal moderna sus formas y construcción. 

No pretendo de ningún modo que mi tratado sea perfecto, pero creo haber conseguido explicar, clara y concisamente, los dos temas fundamentales: la armonización de la melodía y la modulación, empezando, tanto para uno como para otro tema, con los procedimientos más simples, para encarar luego los más complicados." N. Rimsky-Korsakov 

El presente tratado constituye un texto fundamental y necesario para todo estudiante de música pues presenta los problemas en forma sencilla y concreta, de tal manera que en poco tiempo puede llegarse a adquirir un perfecto dominio de esta ciencia, ciencia que establece el primer paso hacia la creación, los profundos estudios musicológicos y la crítica musical. 

Armonía en musica es el uso de alturas (tonos, notas) o acordes simultáneos. Desde una perspectiva general, armonía es el equilibrio de las proporciones entre las distintas partes de un todo y su resultado siempre con nota de belleza. 

En música, el estudio de la armonía implica los acordes y su construcción, así como las progresiones de acordes y los principios de conexión que los rigen. Por lo general se suele entender que la armonía hace referencia al aspecto «vertical» (simultáneo en el tiempo) de la música, que se distingue del aspecto «horizontal» (la melodía formada por la sucesión de notas en el tiempo).

El Tratado de Armonía de Zamacois (dividido en tres libros) fue publicado, por primera vez, en 1945 y aún hoy es considerado como un excelente manual de armonía tradicional. Esta materia forma parte del currículo académico actual, desarrollado por la Logse y por tanto siguen totalmente vigentes las enseñanzas plasmadas en los distintos niveles de esta obra.

En las Advertencias Previas y el Apéndice que acompaña cada uno de los tres libros de Armonía, el autor refleja de manera muy clara la necesidad y posibilidad de ir más allá, relativizando cuestiones que parecen absolutas, a la vez que dando a conocer otras visiones e interpretaciones de los conceptos mostrados. 

Así, deja totalmente claro que un tratado de Armonía no es un código de lo musicalmente bueno o malo y por tanto no deben tomarse las reglas que se presentan en él como ´dogmas absolutos´ sino únicamente como orientaciones y consejos didácticos.Esta obra ofrece la posibilidad de adentrarse en el terreno de la Armonía, entendida como la sucesión de acordes regida por leyes de encadenamiento y resolución, de forma clara en su orientación y eficaz en su aplicación. 

Esto definitivamente no es un sistema armónico para aquellos que están en busca de reglas por las que escribir música. Más bien se trata de una aproximación al desbloqueo de las posibilidades ilimitadas de armónicos que son únicos para el piano. 

Este enfoque puede ser desarrollado de manera personal a través de toda la vida sin agotar nunca las posibilidades creativas. Por supuesto, también es aplicable a la composición y la organización de jazz. El libro incluye cientos de ejemplos musicales y cinco composiciones de Bill Dobbins.

El hecho de que la armonía puede ser enseñada siguiendo este método ha sido demostrado en el curso para el cual y con cuya participación activa ha sido escrito este manual. 

En la Escuela de Música de la Universidad de Yale repasamos el material de este libro en unas pocas semanas. El deseo de ayudar a otros profesores y estudiantes que hayan sentido agudamente la falta de abundante y variado material de ejercicio es lo que me ha movido a publicar este pequeño libro." Paul Hindemith.

El curso de armonía, contrapunto y fuga es un aprendizaje práctico de la escritura polifónica, a cuatro partes. Es necesario habituarse a escribir para el cuarteto vocal, pues la voz humana es el "instrumento" que tiene la tesitura más restringida.

No habrá ningún problema más tarde para alargar los límites permitidos para que correspondan a otros instrumentos. Sería más difícil habituarse primero a unas tesituras muy extendidas y luego reaprender los constreñimientos de tesituras estrechas.

He aquí las cuatro voces y los límites de sus tesituras usuales (Voz de buenos coristas aficionados, y no solistas profesionales)

Se trata de un texto muy completo que combina la teoría, la armonía y el material expresando con énfasis en la voz líder. Aunque el objetivo principal de este libro está en voces de acordes de cuatro notas sobre las cuerdas del centro de la guitarra, gran parte del conocimiento a entender aquí puede ser apreciado y utilizado por todos los músicos de jazz, no sólo los guitarristas.

Los temas cubiertos incluyen: tensiones, voz líder escalas de acordes, enarmónica Chordal sustituciones, Cuarta VOICINGS, Guía cromática Lines, Tríada Más Bajo voces, y mucho más! La mejor parte de este libro, sin embargo, es la única manera práctica y el autor toma conceptos armónicos modernos y muestra cómo aplicarlos en situaciones reales de música! Escrito para el intermedio a avanzado entusiasta de la teoría musical que desea dominar esta faceta de la música.

El Jazz es uno de los fenómenos musicales más relevantes del siglo XX. En la actualidad cuando hablamos de Jazz nos referimos a un género musical que está en constante cambio, un estilo muy permeable que ha sufrido inmensas mutaciones pero que mantiene ciertas características que lo hacen reconocible y que son fruto de sus orígenes y evolución.

Como sucede en otros géneros, en el Jazz encontramos una serie de composiciones que forman lo que se podría denominar “repertorio clásico” y que se conocen con el nombre de Standards. No existe una lista cerrada y cualquier composición puede convertirse en uno de ellos en el momento en que adquiere un significado especial entre los músicos que pasan a interpretarlo con frecuencia.

Esto es posible en gran medida gracias a que la distancia existente entre intérprete y compositor es mucho menor que la que vemos en otras músicas como la, comúnmente llamada “música clásica” donde, sobre todo en los últimos 300 años y con contadas excepciones, la libertad del intérprete para modificar el contenido de la partitura ha sido muy limitada.