Considerada una de las obras pedagógicas más importantes de H. Eslava, el "método completo de solfeo" ha sido utilizado durante más de un siglo como material de enseñanza en los Conservatorios.

Se divide en las siguientes partes: Conocimiento preliminares - Intervalos - Del modo de escribir la música dictada - De las claves

Hilarión Eslava fue uno de los músicos más completos de su época. Siguió la carrera ecleciástica, y por apremios económicos se dedicó a escribir para el teatro, dando a conocer óperas que fueron muy comentadas. Pero su fuerte estaba en la música religiosa, la que enriqueció con páginas notables, entre ellas varias misas.

Son notables sus tratados de solfeo, armonía, melodía, contrapunto, fuga e instrumentación. Nació en Burlada, Navarra, el 21 de octubre de 1807, y falleció en Madrid el 23 de julio de 1878.

Nueva edición de los solfeos para voces de soprano de Enrique Lemoine y G. Carulli, aumentada por un gran número de lecciones de autores antiguos y modernos, elegidas y clasificadas por A. Danhauser y L. Lemoine.

Esta edición corresponde al volumen 1A, que contiene 195 lecciones en clave de sol y en clave de fa, ordenadas por nivel de dificultad, desde los ejercicios preparatorios hasta la lectura de tresillos o semicorcheas en compases simples o compuestos y en tonalidades de hasta dos alteraciones en la armadura.

“El Lenguaje de la música” es un libro fundamental para los estudiantes de Magisterios, para los profesores universitarios y para los profesionales de la enseñanza musical en centro escolares de Primaria. Adaptado a la LOE.

Muestra como las clases de música impartidas desde la edad infantil desarrollan las capaci dades de los escolares, y cómo la enseñanza de la música, entre otros aspectos, ayuda al perfeccionamiento auditivo.

Contribuye al desarrollo psicomotriz, mejora el desarrollo de la memoria, favorece la capacidad de expresión, fomenta el desarrollo del análisis del juicio crítico e integra el saber cultural y el gusto estético.

Tambien favorece y acontece la diversidad del lenguaje musical, un libro muy completo para el estudio de este arte maravilloso.

El público percibe la música clásica como cualquier cosa:le gusta o no le gusta, y la verdad es que no hace mucha falta ir más allá. Sin embargo, muchos aficionados tienen la inquietud de conocer mejor aquello que les atrae, de ordenar sus recuerdos, pensamientos y preferencias de una manera lógica, en definitiva: de saber el qué, el cómo, y el porqué de lo que oyen.

Desafortunadamente, en esa búsqueda de una cultura musical suelen acabar atrapados en un intrincado mundo de tecnicismos, ceremonias, tradiciones y terminología imposibles de descifrar (¡o al menos de relacionar con lo que se oye en un disco o en un concierto!), y que ningún amigo les puede explicar en pocas palabras.

Este libro se ha escrito para esas personas que quieren saber más, con el propósito de que adquieran una base sólida de conocimiento y la seguridad de que comprender la música clásica es más fácil de lo que parece.

El solfeo es un método de entrenamiento musical utilizado para enseñar entonación durante la lectura de una partitura. También busca entrenar la lectura veloz de la partitura.

Consiste en entonar mientras se recitan los nombres de las notas de la melodía, respetando las duraciones (valores rítmicos) de las notas, la indicación metronómica (tempo), y omitiendo nombrar cualquier alteración, con el fin de preservar el ritmo, mientras se marca con una mano el compás.

El objetivo del estudio del solfeo es permitir al músico determinar mentalmente la altura de las notas en una pieza musical que esté leyendo por primera vez, y ser capaz de cantarlo. También permite mejorar el reconocimiento auditivo de los intervalos musicales (quintas justas, terceras mayores, sextas menores, etc.) y desarrollar una mejor comprensión de la teoría musical.

Existen dos métodos de solfeo aplicado: do fijo, en el cual los nombres de las notas musicales siempre corresponden a la misma altura, y do movible, en el que los nombres de las notas se asignan a diferentes alturas según el contexto.

Al escribir este SOLFEO no hemos pretendido crear ningún nuevo sistema. Situados dentro de la escuela clásica, hemos dado gran amplitud a los hasta el presente tímidos ensayos de introducir la canción popular y la música de los grandes autores en la didáctica solfística.

Pretendemos con ello que el discípulo, aparte de aprender a solfear, eduque al mismo tiempo su gusto musical y se familiarice además con el folklore y obras maestras.

Para que las ame ya desde el comienzo de sus estudios y sienta el vivo deseo de entonarlas, ejecutarlas y oírlas, unas con su letra, otras en la orquesta o en los respectivos instrumentos para los que fueron creadas.

El profesor tiene en su mano el lograr que el propósito triunfe en su noble ambición, y por lo tanto, es preciso que el alumno reciba de estas obras la mejor impresión posible desde el mismo momento en que le sea señalado su estudio, lo que se logrará si el profesor se las analiza cuidadosamente y las acompaña con perfección.

La finalidad de este Curso Preparatorio es despertar en el alumno de forma progresiva un sentimiento musical tanto rítmico como melódico que le lleve sin sobresaltos a un entendimiento de lo que significa el solfeo dentro de la música.

Para ello, las lecciones van mostrando gradualmente, por una parte lo rítmico, que da comienzo palmeando el pulso, para pasar seguidamente a coordinar figuras y silencios, no sólo leídos sino también percutidos y por otra parte lo melódico.

Asimismo se incluye un apartado teórico que facilita al alumno, en esta primera fase, la comprensión de las materias a tratar en cada una de las lecciones."

El solfeo es un método de entrenamiento musical utilizado para enseñar entonación durante la lectura de una partitura. También busca entrenar la lectura veloz de la partitura.

Consiste en entonar mientras se recitan los nombres de las notas de la melodía, respetando las duraciones (valores rítmicos) de las notas, la indicación metronómica (tempo), y omitiendo nombrar cualquier alteración, con el fin de preservar el ritmo, mientras se marca con una mano el compás.

El objetivo del estudio del solfeo es permitir al músico determinar mentalmente la altura de las notas en una pieza musical que esté leyendo por primera vez, y ser capaz de cantarlo. También permite mejorar el reconocimiento auditivo de los intervalos musicales (quintas justas, terceras mayores, sextas menores, etc.) y desarrollar una mejor comprensión de la teoría musical.

Existen dos métodos de solfeo aplicado: do fijo, en el cual los nombres de las notas musicales siempre corresponden a la misma altura, y do movible, en el que los nombres de las notas se asignan a diferentes alturas según el contexto.

El solfeo ritmico, tras el estudio teórico-práctico de los signos de la notación musical, es la técnica de entonar una melodía, haciendo caso de todas las indicaciones de la partitura gesticulando la marca del compás generalmente con las manos y basandose siempre en un ritmo adecuado y  por lo común pronunciando los nombres de las notas musicales entonadas, a diferencia de cantar al solfear,se pronuncia la nota pero sin llegar a cantarla.

También se refiere a la habilidad de reconocer los signos de la notación musical representados en una partitura, y la vocalización que se hace de su interpretación, entendiendo esto como la lectura musical, de la misma manera en que alguien leería en voz alta un texto escrito.

El solfeo de una pieza musical, desde el punto de vista estrictamente técnico, no implica solamente la lectura del nombre de notas (do, re, mi, fa, sol, la, si), porque quien solfea debe, en el mejor de los casos, prestar atención a todos los signos sobre la partitura (matices, tiempo, carácter, etc.).

Sin embargo, en un contexto más amplio, leer los nombres de las notas con su respectiva figuración rítmica, incluso omitiendo aspectos tan importantes como la entonación, debe considerarse como práctica del solfeo (en un nivel muy básico).

El solfeo es un método de entrenamiento musical utilizado para enseñar entonación durante la lectura de una partitura. También busca entrenar la lectura veloz de la partitura.

Consiste en entonar mientras se recitan los nombres de las notas de la melodía, respetando las duraciones (valores rítmicos) de las notas, la indicación metronómica (tempo), y omitiendo nombrar cualquier alteración, con el fin de preservar el ritmo, mientras se marca con una mano el compás.

El objetivo del estudio del solfeo es permitir al músico determinar mentalmente la altura de las notas en una pieza musical que esté leyendo por primera vez, y ser capaz de cantarlo. También permite mejorar el reconocimiento auditivo de los intervalos musicales (quintas justas, terceras mayores, sextas menores, etc.) y desarrollar una mejor comprensión de la teoría musical.

Existen dos métodos de solfeo aplicado: do fijo, en el cual los nombres de las notas musicales siempre corresponden a la misma altura, y do movible, en el que los nombres de las notas se asignan a diferentes alturas según el contexto.

Sin duda, uno de los cursos mas completo sobre el solfeo. En esta publicación del maestro Gerónimo Baqueiro Fóster nos muestra los principios del solfeo para la carrera del músico profesional.

El curso básico comienza con los máximos comunes divisores. También nos enseña lo que es la rítmica métrica. Cuenta con ejercicios básicos para la lectura del pentagrama y como entonar la voz.

Para todo principiante es muy útil ya que sus ejercicios son muy prácticos y fáciles d entender. Al finalizar este primer tomo uno ya tiene una idea básica sobre el solfeo y sólo hace falta práctica para ir mejorando las técnicas.

Continúan los ejercicios sobre rimo y métrica, obviamente en un nivel más avanzado. De igual forma la entonación continua con ejercicios cada vez más complejos. Contiene un capitulo sobre dictado.
Una vez terminada la primera parte y que ya se tiene una idea de cómo se escribe y lee la música, así como la manera de entonar correctamente, se podrá pasar a la segunda parte del curso.

El profesor tiene en su mano el lograr que el propósito triunfe en su noble ambición, y por lo tanto, es preciso que el alumno reciba de estas obras la mejor impresión posible desde el mismo momento en que le sea señalado su estudio, lo que se logrará si el profesor se las analiza cuidadosamente y las acompaña con perfección (acompañamiento que en las de los Maestros no puede ser otro que el del propio autor, exigiendo luego al discípulo algo más que el vencer las dificultades solfísticas: una ejecución bien fraseada y matizada.

Consideramos que la enseñanza completa del solfeo debe abarcar tres ramas cuyo estudio ha de ser simultáneo: la práctica (con solfeo estudiado y repentizado), la teoría de la música y el dictado musical. La presente obra no se extiende más allá de la primera de estas tres ramas. De ahí la parquedad en todas la explicaciones teóricas. El estudio de la teoría debe, pues, efectuarse mediante un tratado de la especialidad.

Del plan a que nos hemos sujetado es un claro exponente el índice que al final de la obra insertamos. Ninguna otra aclaración nos parece necesaria. En edición aparte figuran los acompañamientos pianísticos del contenido de esta obra que, comenzando en el presente libro por las nociones preliminares y siguiendo en plan progresivo, alcanza en el último todas las dificultades rítmicas y de entonación.

Las canciones populares han sido armonizadas expresamente para este Solfeo. Inútil nos parece aclarar que en el caso de las obras originales la armonización es siempre la propia del autor.

La teoría musical es un campo de estudio que tiene por objeto la investigación de los diversos elementos de la música, entre ellos el desarrollo y la metodología para analizar, escuchar, comprender y componer música.

Mientras que la musicología puede incluir cualquier declaración, creencia o concepción de lo que es la música, la teoría musical está limitada a las discusiones concernientes a los eventos sincrónicos (o diacrónicos) de una composición específica (o varias composiciones), y a los capítulos músico-teoréticos abstractos (por ejemplo teoría de conjuntos, teoría de grupos, teoría de tensión tonal, etc.).

Enric Herrera (Barcelona, 1948) es un músico, compositor, arreglista y pedagogo catalán. Durante el franquismo era habitual que su nombre apareciera como Enrique Herrera.

Fue miembro fundador del grupo Máquina!, miembro fundador y primer director del Aula de Música Moderna y Jazz de Barcelona y autor de los libros "Teoría Musical y Armonía Moderna", volumen 1 y 2.

Destacó por su talento para la composición, los arreglos musicales y como instrumentista.

Una escala musical es una serie ordenada de sonidos a partir de una primera y última nota del mismo nombre, que dan nombre a la escala entre los que se mantienen unos determinados intervalos musicales, que dan nombre al tipo de escala.

El término modo hace referencia a las escalas y reglas compositivas de la melodía usadas en los sistemas musicales antiguos, especialmente a los «modos medievales» utilizados en los cantos llanos (como el canto gregoriano).

También puede utilizarse para designar a los «modos griegos», escalas descendentes del sistema musical de la antigua Grecia. En un sentido más amplio engloba también las ordenaciones de alturas utilizadas en la música folclórica, étnica y la proveniente de culturas no europeas.

El uso de un modo en una pieza o fragmento musical se conoce como «modalidad». Cuando se utiliza más de un modo simultáneamente se habla de polimodalidad, como por ejemplo la polimodalidad cromática.

Históricamente, existen tres cumbres relevantes en el arte del contrapunto. La primera fue la auténtica polifonía 'absoluta' del período gótico, y el elaborado y virtuosístico contrapunto de las escuelas franco-flamencas que le siguieron.

La segunda, la música de la última mitad del siglo dieciséis, ejemplificada por Palestrina; mientras que la tercera, la del barroco, está resumida en las obras de Johann Sebastian Bach.

El primero de los períodos mencionados ha dejado de ejercer una influencia activa en nuestra música, pero Palestrina y Bach se han convertido en los auténticos símbolos de la polifonía.

Una rápida observación de la obra de estos dos autores revela la existencia de dos maneras distintas de aproximación, dos actitudes o estilos contrapuntísticos diferentes. Ambos estilos son de máxima importancia en el desarrollo del arte musical, y el estudio de estos dos tipos de escritura contrapuntística es indispensable para cualquier músico y estudiante de música.

El término "Lenguaje" hace referencia a la comunicación, es decir, a la capacidad de hablar, leer y escribir con comprensión.

El adjetivo "Musical" delimita el concepto de lenguaje a unos signos determinados, que tienen como soporte el sonido y sus cualidades, y que se estructuran en unidades mayores.

El Lenguaje Musical lo definimos (dentro del sistema tonal que es el más utilizado aunque no el único) como la capacidad de comunicación a través de una sucesión de acordes estructurados armónica, rítmica, melódica y formalmente

Uno de los mayores desafíos a los que se han enfrentado muchos de los compositores de la pasada centuria ha sido la aceptación – no exenta de rivalidades y polémicas - de la escala cromática de doce notas como sustrato y herramienta musical indispensable para la comprensión del rico desarrollo del contrapunto actual en sus diferentes modalidades y escuelas .

Durante los últimos cuatrocientos años de la Historia de la Música, han existido diferentes etapas contrapuntísticas, todas ellas encaminadas hacia una mejor comprensión de la escritura horizontal y a la experimentación – asumiendo riesgos musicales muy elevados en algunos casos – con las diferentes líneas de voz que coexisten e interrelacionan dentro del tejido armónico de una determinada composición.

Contrapunto y armonía son dos caras – inseparables - de una misma moneda. Sin un armazón – o estructura musical – coherente y bien diseñado armónicamente, sería caótico acometer la tarea compositiva con rigor. Por tanto, el conocimiento y la comprensión de las relaciones que guardan entre sí un conjunto de notas que suenan simultáneamente en acordes (vertiente o lectura vertical) es esencial para comprender y disfrutar del fenómeno musical en todas sus manifestaciones.

El Jazz blues es un estilo musical que combina el jazz y el blues. Este término también se utiliza para hacer referencia a cualquier melodía que siga la progresión de acordes estándar de doce compáses de blues y cuya interpretación se acerque más al estilo del jazz que al estilo del blues tradicional.

La música blues tuvo una influencia importante en el desarrollo del jazz, siendo muy comunes las melodías de jazz blueseras en el repertorio del jazz (además de la progresión de acordes, los intérpretes de jazz tomaron prestados otros elementos estilísticos del blues como la nota de blues, la forma musical de las melodías y los riff de blues).

Un jazz blues suele presentar un tratamiento más sofisticado (e incluso distinto) de la armonía que un blues más tradicional, permaneciendo sin embargo las características de la progresión estándar de doce compáses.

Una de las principales formas mediante la cual, los músicos de jazz, consiguieron esto fue con la utilización de la sustitución de acordes: un acorde de la progresión original se reemplaza por otro, u otros, manteniendo la misma función pero añadiendo un color diferente o añadiendo un movimiento armónico distintivo dentro del movimiento armónico general.

El contrapunto (del latín punctus contra punctum, «nota contra nota») es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico.

Esta práctica surgió en el siglo XV alcanzando un alto grado de desarrollo en el Renacimiento y el periodo de la práctica común, especialmente en la música del Barroco y se ha mantenido hasta nuestros días.

En su aspecto más general el contrapunto implica la escritura de líneas musicales que suenan muy diferentes y se mueven independientemente unas de otras pero suenan armoniosas cuando se tocan simultáneamente.

En cada época, la escritura de música organizada contrapuntísticamente ha estado sujeta a reglas, en ocasiones estrictas. Por definición, los acordes se producen cuando diversas notas suenan al mismo tiempo.

Sin embargo, los rasgos armónicos verticales se consideran secundarios e incidentales, cuando el contrapunto es el elemento textural predominante. El contrapunto se centra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción.

Dither de la Motte es autor de numerosas composiciones de las más diversas direcciones estilísticas. Aparte de los géneros tradicionales tales como la ópera, música de cámara, música coral, etc, ha escrito obras en las que intervienen medios electrónicos.

Ahora presenta uno de los mejores tratados de Contrapunto traducidos al castellano, al igual que Armonía del mismo autor, hace una revisión cronológica y estilisticamente de los aspectos mas sobresalientes de composiciones y compositores de distintas y épocas y procedencias.

Método de teoria musical, que reúne todos los conceptos teóricos necesários para el aprendizaje musical y al final de cada capítulo, un cuestionário, ejercícios teóricos de solfeo relativos a cada punto abordado.

MUSICA : es el arte de combinar los sonidos y el tiempo.
El sonido y el tiempo estan representados por caracteres y señales escritos en una partitura o pentagrama, que es un conjunto de 5 lineas y cuatro espacios, al sonido pertenecen : las claves, notas, sostenidos, bemoles, becuadros, letras como ej:(p) piano, o (f)forte, y muchas mas palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que estan dentro del pentagrama, modifican el sonido.

Al tiempo pertenecen los compaces, figuras, puntillos, silencios, puntos de reposo, calderon, y como con los sonidos palabras que colocadas por abajo o sobre los signos que estan dentro del pentagrama, modifican el tiempo.

Alan Belkin ha escrito y publicado en el internet 4 libros sobre Composición, Countrapunto, Armonía y Orquestación. He estado revisando el de composición y creo que puede ser muy útil para que mejorar la técnica. En particular comulgo completamente con el siguiente párrafo, extraído de la introducción:

"... A lo largo de muchos años ejerciendo como compositor y como profesor de composición musical a varios niveles, me he visto sorprendido repetidamente por la falta de información práctica sobre el modo en que se construye la música.

Existen buenos textos de armonía, contrapunto, y orquestación, pero los principios prácticos de la forma musical, especialmente desde el punto de vista del compositor, están extrañamente ausentes.

Por “principios prácticos de la forma musical” no me refiero a la clasificación de unidades estructurales –por útil que pueda ser– sino al modo en que las ideas musicales se organizan y se conectan a lo largo del tiempo, de modo que su evolución sea convincente. Incluso estudiantes con mucha experiencia en análisis a menudo tienen poca idea sobre como elaborar una transición, como construir un climax, o como crear un sentido satisfactorio de conclusión.

De forma continuada se ven comienzos que no crean interés o suspense, transiciones que divagan de una idea a la siguiente, secciones que carecen de balance, y finales que parecen alcanzarse de forma casi arbitraria. El estudiante necesita una guía específica sobre como satisfacer tales requerimientos formales básicos."

Electric Counterpoint es una obra escrita por Steve Reich, compositor estadounidense de vanguardia, estrenada por Pat Metheny en 1987. La idea, para su ejecución en vivo como se grabó este EP, es que un mismo guitarrista grabe en 12 sesiones las 10 guitarras y 2 bajos eléctricos como están en la partitura, y luego use esa grabación como pista para tocar encima otra guitarra más. ¡No hay que pensar que se trata de un contrapunto de estilo barroco a 12 voces!.

Cada guitarra toca casi las mismas notas que las otras, generando un efecto acústico casi hipnótico en la superposición. Tantas guitarras juntas generan un timbre extraño, como de un nuevo e indefinible instrumento eléctrico.

Cada nota, cada efecto, aún los fade in y fade out fueron escritos por el autor. La música puede ser escuchada con mucho interés, es muy melódica y llevadera, con cierto carácter mántrico, no es para nada hermética, y se asemeja en sus recursos a mucha música electrónica relacionada con la escuela minimalista, o el ambient.

Nadie mejor en la Argentina que Orias Diz para encarar la grabación de este material. Se trata de un guitarrista especializado en el repertorio contemporáneo, que ya grabó otras obras nuevas en sus anteriores discos. Este trabajo trae mucha información sobre la obra, sobre el compositor y sobre el intérprete, de manera interactiva.

Los tres videos que ilustran cada movimiento son un complemento ideal para la música. Cada uno es muy distinto del otro, los tres muestran a la perfección lo que la obra dice. Recomendamos hacer la experiencia de entrar a esta obra de manera mixta (visual y auditiva) en computadora, y luego escuchar, en un buen equipo a volumen más alto, la música sola, para perderse en el viaje de cada línea de guitarra.

(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561.

Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
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A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida.